Tutte le recensioni di A.Giovanni

« Superbo fantasy/kung-fu/comedy con ritmi alla Indiana Jones, giocato sull’idea geniale di fare dell’eroe che salva la bella e sconfigge i cattivi (Dennis Dun) la spalla, e dell’amico pasticcione (Kurt Russell) il protagonista assoluto. Trucchi artigianali ed efficacissimi di Richard Edlund (Ghostbusters), musiche dello stesso Carpenter. Il wire-fu (il combattimento acrobatico con fili invisibili) anticipa di 12 anni quelli di Matrix.

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« Più che un film, un monumento. Incrociando i fumetti d’avventure esotiche anni ’30 con la spettacolarità odierna (scenografie, effetti speciali ecc.), Spielberg e Lucas hanno ridefinito i concetti stessi di “film d’avventura” e “senso del ritmo” ed hanno creato uno dei più celebri eroi contemporanei, in un susseguirsi di scene d’azione perfettamente congegnate e girate, ciascuna con un guizzo di immaginazione o ironia. La dimostrazione più esemplare di come anche un film di pura evasione possa essere intelligente e raffinato. Memorabile il tema musicale di John Williams. »

« Il miglior western italiano dopo quelli di Leone, di certo uno dei più pessimisti della storia del cinema. Ispirato ad un fatto realmente accaduto, originale nell'ambientazione nevosa (è girato a Cortina, ma la regia di Corbucci è talmente abile da farti credere siano i monti dello Utah)e nella scelta di una donna di colore come donzella in pericolo, con meno impennate "sborone" rispetto ad altri spaghetti western, anticipa I Cancelli del Cielo di Cimino, per il finale tragico senza speranza, e Gli Spietati di Eastwood, per la riflessione sull'impossibilità della giustizia quando la violenza gratuita è ratificata dalla legge. Strano ma efficace Trintigant in un ruolo western (pensato e voluto originariamente da Mastroianni), splendidamente spiritato, come sempre, Kinski.
Il lieto fine nei contenuti extra fu voluto dai produttori, ma era talmente stonato che questi si rassegnarono all'originale. »

« Il mio film preferito (almeno tra i drammatici): l'elogio dell'amiizia e dell'onore rimandano a Melville (parte come un remake di Frank Costello Faccia D'Angelo con Alain Delon), Peckinpah (le sparatorie al rallentatore), Scorsese (il senso di colpa del criminale), Leone (c'è pure l'armonica di C'era una Volta il West), Mann (il rapporto tra sbirro e delinquente è esplorato meglio che in Heat: La Sfida) e altri. Ma al tempo stesso Woo sfoggia il suo stile fiammeggiante (gente che spara con due pistole, incontri ravvicinati in cui sue o più personaggi si puntano l'arma a vicenda) e vanamente imitato da tutto l’action occidentale anni ’90 (Tarantino, Rodriguez, Besso, i Wachowski bros).
Ma diverso è anche il modo d’intendere la violenza: per l’occidentale è uno sfogo di rabbia autodistruttiva, per il luterano Woo è un sacrificio necessario per ricostruire i valori perduti e raggiungere la redenzione (la sparatoria in Chiesa con le colombe, simbolo del sacrificio pasquale, parlano chiaro).
Un concentrato di adrenalina che tocca il cuore meglio di tanti melodrammoni intellettuali, impegnati o d’autore. »

« Il capolavoro di Peckinpah è uno dei più grandi film di tutti i tempi.
La sparatoria finale (la più sanguinosa e apocalittica della storia del cinema), col suo montaggio sincopato, a base di flash quasi impercettibili a occhi nudo, ralenti e continui cambi di inquadratura, è ancora oggi il “discorso della montagna” per qualunque regista action (John Woo, Kathryn Bigelow, Michael Mann, Walter Hill).
Ma il “Mucchio” è anche una riflessione da manuale sul conflitto tra il passato (con le sue colpe) e il progresso (con le sue vittime) che fa sembrare roba da bambini il cinema di Sergio leone (anche se pochi ebbero il coraggio di ammetterlo).
L’edizione in Dvd contiene in italiano alcune scene recuperate nel ’94 e che nell’edizione vhs erano lasciate sottotitolate. Fondamentale.
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« Uno dei migliori thriller-horror degli 80s, talmente amaro che la resa dei conti finale non risolleva l’animo né al protagonista né al pubblico, e con una trama così meravigliosamente stringata si presta ad ogni interpretazione. La paranoia del cittadino sperduto in una terra di nessuno dove è difficile trovare aiuto è messa a fuoco con un serrato gioco al gatto e al topo: Hauer è un cattivo semi-invulnerabile alla Freddy Krueger, Howell un buono perseguitato ma pieno di risorse che sarebbe piaciuto ad Hitchcock. E quando la trama sembra a un punto morto, la violenza esplode e rilancia la suspense. Un film di azione secca, senza impennate spettacolari alla Bruce Willlis o sghignazzate alla Tarantino. Bella la fotografia del veterano John Seale.



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« Un film che non ha bisogno di presentazioni, ma di cui val sempre la pena di tessere le lodi, anche se la critica l’ha sempre snobbato.
I due protagonisti, l’allora astro nascente Lambert (lanciato da Greystoke) e lo smagliante e ritrovato Connery (che iniziò da qui la sua seconda giovinezza artistica) sono perfetti ed affiatati.
La sceneggiatura (dell’esordiente Gregory Widen) è un mix unico di fantasy, action-thriller e romanticismo, con in più una riflessione struggente sull’immortalità e le sofferenze che comporterebbe. La regia del mago dei videoclip Russell Mulcahy vanta soluzioni visive ancora oggi innovative. La fotografia di Gerry Fisher rende suggestivi sia i paesaggi naturali della vecchia Scozia sia una New York notturna e fiammeggiante alla Blade Runner. Anche i costumi di James Acheson (futuro Oscar per L’Ultimo Imperatore e Le Relazioni pericolose) sono adeguati, specie l’armatura di Kurgan. E la soundtrack è forse la più bella di tutti i tempi, con le musiche di sottofondo di Michael Kamen (Arma Letale, Die Hard, Robin Hood Principe dei Ladri) e le canzoni dei Queen (Princes of the Universe e Who Wants To Live Forever su tutte). L’unico neo sono (forse) gli effetti speciali, un po’ poveri anche per gli standard di allora, ma ampiamente riscattati dai duelli, coreografati alla perfezione e che hanno fatto scuola.
Un capolavoro, una pietra miliare per il cinema fantasy come per quello action e d’avventura in generale. Ispirerà vari sequel mai all’altezza dell’originale, e una longeva (1992-98) e bellissima serie tv ancor più sottovalutata (almeno in Italia).

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« Una serie che lascerà un senso di profonda gratitudine non solo agli amanti dell’animazione adulta, ma anche a quelli del cinema. Non solo per l’ambientazione metropolitana-cyberpunk alla Blade Runner, o alle sparatorie che pescano a piene mani dagli action movie di Hong Kong (specie quelli di John Woo), o per la formidabile colonna sonora di Yoko Kanno, che mescola jazz, blues, country e rock elettronico, ma anche per il suo spirito di fondo, cinico e romantico, tenero e rassegnato, proprio come i bei noir di una volta. Un affresco sulla vita, la morte, il destino, le scelte, l’impossibilità di sfuggire al passato, che (proprio come la vita vera) non si conclude con una morale chiara e consolatoria, ma con dei personaggi che ti restano dentro, dei “beautiful losers” che sarebbero piaciuti a registi come Sam Peckinpah, Martin Scorsese o Walter Hill… Un’alchimia perfetta, un capolavoro difficile da spiegare ma bellissimo da vedere. »

« Prima di firmare classici moderni come Predator e Die Hard: Trappola di Cristallo, John McTiernan esordì con questo curioso thriller soprannaturale giocato su un’idea alquanto originale: ad oggi, in ogni angolo del mondo, c’è ancora qualcuno che pratica lo stile di vita nomade, malgrado ciò comporti la diffidenza e l’emarginazione da parte della civiltà moderna, ormai completamente stanziale. E se il fenomeno del nomadismo avesse radici soprannaturali?
Un barbone (Pierce Brosnan) viene portato ferito e delirante in ospedale, dove muore poco dopo aver morso una dottoressa, “passandole” la sua memoria. Si scopre così che il barbone era in realtà Jean Charles Pommier, eminente antropologo che aveva scoperto l’esistenza, nel bel mezzo di Los Angeles, di una banda di punk vagabondi dediti all’omicidio rituale, proprio come le popolazioni nomadi che aveva studiato nelle regioni selvagge. Quello che non aveva calcolato era che si trattava in realtà di Inuat (o così li chiamano gli esquimesi), demoni nomadi che arruolano tra le proprie fila le anime delle vittime uccise, e che sono in grado di far impazzire chiunque li scopra.
Niente effetti speciali o action fracassona come ci aspetterebbe dal regista, ma tanta suspense senza una sola goccia di sangue, ma con alcuni momenti davvero allucinanti (su tutti, l’incontro con la suora cieca nell’edificio in rovina). Da riscoprire e confrontare con Near Dark: Il Buio Si Avvicina di Kathryn Bigelow.
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« Prodotto da Spielberg, diretto da Barry Levinson (Rain Man) e scritto da Chris Columbus (Gremlins, I Goonies), un gioiello che re-inventa il primo incontro tra Sherlock Holmes e il Dr. Watson ai tempi della scuola: nel cuore di Londra, i due dovranno affrontare una setta di assassini che affonda le sue radici nell’antico Egitto. I ritmi e il mix di avventura esotica vecchio stampo combinata coi ritmi e i trucchi odierni guarda apertamente ad Indiana Jones, ma l’omaggio ad Holmes e Watson è genuino e rispettoso, e ci mostra, attraverso il classico racconto di formazione, come i due ragazzi si sono evoluti nelle icone che tutti noi conosciamo.
Se l’avete sempre visto solo in tv, coi titoli di coda tagliati, sappiate che al termine avrete una sorpresa…
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