Tutte le recensioni di A.Giovanni

« Passato in sordina in Italia, amatissimo negli USA (è durato ben 12 stagioni!), il telefilm anni ‘90 che, insieme a ER, ha innalzato per sempre il livello di realismo nelle serie tv. Come già Hill Street nel decennio precedente (con cui condivide il produttore/creatore Steven Bocho), anche NYPD racconta la vita caotica di un distretto di polizia, con più casi seguiti parallelamente e con la vita privata dei protagonisti a fare da continuity tra gli episodi. Rispetto al modello, vi troviamo musiche martellanti (che restituiscono l’atmosfera del traffico metropolitano), montaggio veloce, scene di nudo, violenza gratuita e parolacce. Tuttavia ci si affeziona ai personaggio, sbirri duri dal cuore tenero, capaci di piccoli gesti di un’umanità mai banale. E, in un’epoca in cui gli agenti televisivi sono geni alla Criminal Minds, tormentati da citazioni colte, fa piacere ritrovare dei comuni mortali con problemi ben più terreni, tipo alcolismo, divorzi eccetera. Indimenticabili gli interrogatori del burbero e simpatico detective Sipowicz (Dennis Franz). »

« L’horror più sopravvalutato di sempre, dal ritmo lento e dal finale frettoloso e semplicistico. Ha valore soprattutto perché è stato il primo film ad utilizzare il soprannaturale come “valvola di sfogo” delle paranoie della società contemporanea, divenuta così materialista, da aver dimenticato che esiste una dimensione intangibile in cui si svolge l’eterna lotta tra il Bene e il Male. Ricordarlo (specie in questo modo) può essere uno shock, ma fa sempre bene. »

« Inseguito da degli strozzini, lo scommettitore incallito Alan Lloyd (Terence Hill) si decide finalmente a cercare, per conto di suo zio, un tesoro risalente alla seconda guerra mondiale. Si nasconde quindi sulla barca di Charlie O’Brien (Bud Spencer) un rude navigatore solitario sponsorizzato da una disgustosa marmellata. Naufragati sull’isola del tesoro, i due scoprono che questa non è affatto deserta come sembra, e s’imbattono in una tribù di pacifici selvaggi, una ciurma di pirati vestiti da metallari, e un vecchio soldato giapponese convinto che la guerra sia ancora in corso.
Più che una coppia d’attori, Bud e Terence sono diventati un vero e proprio “genere”. Un genere peraltro unico: un cinema d’avventura per famiglie, con scazzottate coreografate come in un musical o in un film di kung-fu, gag da comiche del muto e da cartoon, e musiche Simpatiche e orecchiabili di quelle che fischietti sotto la doccia.
Non c’è quindi da aspettarsi che i loro film siano molto diversi tra loro, ma questo (diretto dal bravo Sergio Corbucci di Django) è, forse, il loro capolavoro, dove la collaudata formula Sorrisi & Cazzotti si sposa col più classico dei filoni avventurosi, la caccia al tesoro su di un’isola tropicale. Mai come in questo caso la comicità non è affidata solo ai nostri eroi, ma anche ai personaggi di contorno, come la corpulenta regina indigena Mama (Louise Bennett), il samurai rimbambito Kamasuka (John Fujoka) e il loro demenziale figlio Anulu (interpretato dal caratterista e stuntman Sal Borgese, assiduo collaboratore della coppia Spencer-Hill). Il ritmo è perfetto, l’uso delle location incantevole, le battute memorabili (“Saranno antropofaghi ?” “Mah, a me sembrano profughi.”, “Dovete scusare, ma nostro stregonzo un po’ scemonzo anche lui.”) e il colpo di scena finale lascia a bocca aperta sia per la sorpresa sia per le risate.
Un film che, anche quando lo conosci a memoria, lo rivedi sempre volentieri.

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« Sottovalutato ma bello come non se ne fanno più. Diretto con mano esperta da Simon Wincer (Harley Davidson & Marlboro Man, Free Willy, The Phantom) e con un Tom Selleck al suo meglio: eroe coraggioso e imbattibile, ma con garbo ed ironia (più vicino ad Indiana Jones che a John Wayne). Senza essere particolarmente crudo, il film risulta genuinamente epico, grazie agli sconfinati paesaggi del deserto australiano (tanto di cappello alla fotografia) e alla colonna sonora di Basil Poledouris (Un Mercoledì da Leoni, Conan il Barbaro), ma non rinuncia nemmeno a momenti leggeri e battibecchi da commedia romantica. Alan Rickman aggiunge un altro villain a quelli interpretati in Die Hard, Robin Hood Principe dei Ladri ed Harry Potter. Ottima anche Laura San Giacomo (Sesso, Bugie e Videotape, Pretty Woman). L’idea viene da un vecchio copione pensato per Steve McQueen. »

« C’è poco da fare, la computer grafica può fare tutto tranne sostituire la fantasia, il calore e il solido mestiere della cara, vecchia matita. Con buona pace della Pixar, Lilo & Stitch (insieme a Il Pianeta del Tesoro) è il miglior film Disney dai tempi della trilogia della fiaba a cavallo tra anni ’80 e ’90 (La Sirenetta, La Bella e la Bestia e Aladdin). Una storia che celebra i perdenti, gli eccentrici e i solitari senza farne eroi tragici alla Tim Burton, ma dando loro una dimensione di felicità nel concetto di o-hana, cioè di famiglia allargata e fuori dagli schemi. Divertente e “scorretta” la prima parte, più mielosamente disneyana la seconda, ma sempre sostenuta da un ritmo scatenato. Ottimi anche il doppiaggio originale e quello italiano.
Non fatevi ingannare dalla copertina di questa edizione, non c’è alcun finale alternativo. L’unica modifica riguarda l’inseguimento finale, dove il Jumbo 747 viene sostituito da un’astronave: un inutile ritocco post-11 settembre. La scena originale vista al cinema è comunque reperibile tra i contenuti extra.
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« Primo film di Sam Raimi (regista di Darkman e dei vari Spieder-Man) realizzato coi vecchi compagni di scuola Rob Tapert (produttore esecutivo) e Bruce Campbell (attore protagonista nel ruolo di Ash) e finanziato con soldi scroccati ad amici e parenti. Tratto dal precedente cortometraggio Within the Woods, La Casa è uno di quei film per cui è stato coniato il termine splatterstick, da splatter (truculento) e slapstick (la comicità rocambolesca dei tempi del muto). La forza del film infatti non è tanto nella storia o negli effetti speciali artigianali, bensì nella maestria con cui Raimi rende ogni scena grottesca ed eccessiva come in un cartoon grazie a carrellate vorticose, che narra la leggenda siano state ottenute legando la cinepresa ad un manico di scopa.
Ebbe un tale ed insperato successo (Stephen King lo recensirà con entusiasmo, Johnny Depp ne vedrà qualche scena in Tv nel primo Nightmare) che Raimi, Campbell e Tapert (stavolta coi capitali di De Laurentiis) ne fecero il primo capitolo d’una trilogia proseguita col sorprendente remake horror-comico La Casa 2 e col geniale fantasy L’Armata delle Tenebre.
P.S: Non lasciatevi quindi ingannare dai sequel “apocrifi”: La Casa dal 3 al 7 sono dei mediocri horror (un paio dei quali prodotti in Italia) spacciati dai distributori italiani come seguiti del film di Raimi.
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« Raimi riprende la stessa storia del primo film, ma stavolta coi soldi di De Laurentiis, il che significa effetti speciali più sofisticati, ad opera della premiata ditta Kurtzman, Nicotero & Berger. Ma questo non è un semplice remake: Raimi calca la mano sullo humor nero, e riesce a fondere paura e comicità (vedi il bulbo oculare che finisce in bocca alla ragazza urlante), senza -attenzione bene- cadere nella parodia, come non era riuscito nemmeno John Landis col suo più celebrato Un Lupo Mannaro Americano a Londra. Ottima anche l’interpretazione di Bruce Campbell, che diventa protagonista assoluto e riesce a strappare un sorriso anche nella sofferenza più estrema: il Johnny Depp dei Pirati dei Carabi e il Jim Carrey di Ace Ventura e The Mask gli devono ben più di un aperitivo…
P.S. Sopra la porta nel capanno degli attrezzi si scorge il guanto artigliato di Freddy Krueger, un omaggio a Wes Craven che a sua volta aveva usato qualche scena del primo La Casa in Nightmare.
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« Forse il film più personale e riuscito di Sam “Spider-Man” Raimi, seguito de La Casa 2, ma che si può tranquillamente vedere come un film a se stante.
Ash (Bruce Campbell) è un commesso che, a causa di un libro sumero maledetto, il Necronomicon Ex Mortis, si ritrova catapultato nel medioevo. Scambiato per uno stregone, viene messo a morte. Dopo essersi fatto rispettare grazie a un fucile, una motosega, e alla sua spavalderia da ragazzetto del Michigan, parte alla ricerca del lobro per tornare nel presente. Ma sbaglia a pronunciare delle parole magiche e scatena così un’armata di morti che, capeggiata da un suo sosia malvagio, parte alla conquista del regno. Ash vorrebbe scappare, ma s’innamora di Sheila, una ragazza del posto, e non gli rimane che improvvisarsi eroe nella più adrenalinica ed esilarante battaglia finale di tutti i tempi.
Insieme a The Killer di John Woo, il mio film preferito in assoluto: strepitosi Raimi & Campbell, che con due lire, tanto entusiasmo e ancor più trovate, fanno mangiare la polvere agli odierni action horror comedy (Pirati dei Caraibi, Van Helsing ecc.). Tutti gli ingredienti dell’avventura classica (il viaggio nel tempo, le prove da superare, la bella da trarre in salvo), arricchiti però da citazioni letterarie (Il Mago di Oz, Gulliver) e cinofile (la formula Klaatu Verata Nikto viene da ULTIMATUM ALLA TERRA, gli scheletri guerrieri da IL 7° VIAGGIO DI SINBAD e GLI ARGONAUTI), acrobazie da kung-fu, gag da cartoon, effetti speciali alla Ray Harryhausen, carrellate con la cinepresa impazzita e un ritmo che fa sembrare I Predatori dell’Arca Perduta un film di Antonioni. Ad Ash non servono anelli fatati alla Frodo o bacchette magiche alla Harry Potter per battere demoni e streghe: bastano fucile, motosega, “zucchero” femminile e sotto a chi tocca. Impagabile: è questo film il vero “tesssooorooo”!!!

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« Western, horror, dramma familiare… Ron Howard si diverte a testare fino a che punto lo spettatore è disposto a seguirlo, infliggendogli shock e crudezze insopportabili. Vedi, a tal proposito, la morte splatter di Eckhart, la madre che si fa saltare la testa dopo la morte del figlio neonato, o il giovane indiano in cerca della moglie insieme a suo padre: nessuno dei tre ne esce vivo. Il tutto per cercare la facile emozione senza soffermarsi sulla logica: basti pensare all’odiosa figlia rapita che non riconosce il suo salvatore pellerossa e provoca una carneficina.
Senza contare che, per rendere digeribile il tutto con una catarsi finale, serviva un “arrivano i nostri” come il genere western comanda. In altre parole era necessario contrapporre, a cattivi così crudeli, un vero eroe forte, carismatico, quasi invincibile (penso al Texano dagli Occhi di Ghiaccio, ai Magnifici Sette, a Occhio di Falco de L’Ultimo dei Mohicani, ma anche al sottovalutato Kurt Russell/Wyatt Earp di Tombstone), non certo una bigotta bacchettona alla Cate Blanchett o uno stracco Tommy Lee Jones.
Un meritato flop ovunque.

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« Per vendicare il partner, ucciso da un pittore falsario, un agente del tesoro coinvolge il nuovo compagno nella sua guerra privata. Insieme arrivano a rubare soldi veri pur di comprare quelli falsi. Ma il corriere della droga che hanno rapinato, e che ci ha lasciato la pelle, era un agente infiltrato, e le cose precipitano verso un finale infuocato ed amarissimo.
Legge del contrappasso: Friedkin, che con L’Esorcista ha firmato uno degli horror più sopravvalutati di sempre, con Vivere e Morire a L.A. gira uno dei polizieschi più crudi e pessimisti di tutti i tempi, e che proprio per questo non ha mai sfondato col grande pubblico: fotografia che restituisce appieno lo smog e l’afa della metropoli, montaggio serrato, musiche martellanti dei Wang Chung, e violenza senza impennate surreali, ma che esplode nel momento più inaspettato, quasi come nei film di Kitano.
Finito il film, starete male.
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